Vreugde en woede in balans: de kunst van Lorraine O'Grady

O'Grady werd geboren in Boston, de tweede dochter van Jamaicaanse immigranten. Ze groeide op in Roxbury, een buurt met pas aangekomen zwarte, Ierse en joodse bevolkingsgroepen, op slechts enkele stratenblokken van de hoofdvestiging van de stad, de Boston Public Library en het Museum of Fine Arts.

Een foto geleverd door Brooklyn Museum; Jonathan Dorado toont installatiezicht, Lorraine O'Grady: Both/And, met een video van haar haar van gemengd ras, tussen landschappen van Frederic Church en Thomas Cole, vijfde verdieping, Brooklyn Museum in New York. Een enquête in het museum straalt veel verontwaardiging uit, ook al vindt het schoonheid en kracht in een reeks identiteiten. (Brooklyn Museum; Jonathan Dorado via The New York Times)

Geschreven door Holland Cotter

In de jaren zestig gebruikten sommigen van ons drugs, wisselden geslachten door elkaar en proefden mondiale religies om onszelf los te maken van wat we zagen als binair denken in westerse stijl, een kijk op de wereld gebaseerd op strikt gehouden goed-slecht, goed-fout tegenstellingen : wit versus zwart, hetero versus homo, wij versus zij. Vijf decennia later heerst een dergelijk denken nog steeds in een rood-blauwe natie, wat de retrospectieve van Lorraine O'Grady's carrière in het Brooklyn Museum tot een grote corrigerende gebeurtenis maakt.

De kunstenaar markeert haar eigen weerstand tegen of/of in de titel van haar show: Lorraine O'Grady: Both/And. Omdat ze gedurende een lange carrière - ze is nu 86 - haar kunst consequent heeft gevormd volgens een ander model, een van evenwichtige heen en weer combinaties: persoonlijk en politiek; thuis en de wereld; woede en vreugde; ijzersterke ideeën en een licht formeel tintje.

Hoewel de organisatoren van de show - Catherine Morris, een senior curator in het museum; schrijver Aruna D'Souza; en Jenée-Daria Strand, een curatoriële assistent - hebben haar kunst door verschillende galerijen op vier verdiepingen gevlochten, we zijn hier niet in het blockbuster-land. Het grootste deel van dit onderzoek zou waarschijnlijk in een paar handbagagekoffers kunnen worden geperst. De meeste van haar belangrijkste werken waren eenmalige uitvoeringen die nu bewaard zijn gebleven als foto's en handgeschreven notities.

Schrijven is een belangrijk element in haar werk. Haar vroegste project, daterend uit 1977 en markeert haar debuut als beeldend kunstenaar, is een reeks collage-gedichten samengesteld uit frases geknipt uit nummers van The New York Times. Hun aanwezigheid, samen met gevallen van archiefmateriaal - vergelende letters, lijsten, grafieken, verklaringen - maakt de show een slowdown-ervaring, een vezelrijke maaltijd na een pandemiejaar dat de voorkeur geeft aan eye-candy online.

naam van blad met afbeelding

En haar kunst is het product van een gestructureerde persoonlijke geschiedenis, een met weinig rechte lijnen. O'Grady werd geboren in Boston, de tweede dochter van Jamaicaanse immigranten. Ze groeide op in Roxbury, een buurt van pas aangekomen zwarte, Ierse en joodse bevolkingsgroepen, op slechts enkele stratenblokken van de hoofdvestiging van de stad, de Boston Public Library en het Museum of Fine Arts. Als kind bracht O'Grady veel tijd door in beide, met haar vroege interesse voor literatuur.

Een foto geleverd door Garrett Bradley en The Museum of Modern Art; Robert Gerhardt toont een scène uit Lime Kiln Club Field Day, een film uit 1914 die nog niet is uitgebracht en is opgenomen in Garrett Bradley's America, haar video-installatie met vier schermen in het Museum of Modern Art in New York. Bradley's uitgebreide video-installatie, die stille en opmerkelijke momenten uit het vroege 20e-eeuwse zwarte leven opnieuw in beeld brengt, bevindt zich in het MoMA. (Garrett Bradley en het Museum of Modern Art; Robert Gerhardt via The New York Times).

Na haar afstuderen aan de universiteit, waar ze economie en talen afstudeerde, begon ze aan een incidenteel op schrijven gerichte carrière. Ze werkte als onderzoeker en vertaler voor de Arbeidsafdeling in Washington en verhuisde vervolgens naar Europa om een ​​roman te beginnen. In het begin van de jaren zeventig was ze in New York City en schreef ze rockrecensies voor The Village Voice en gaf ze cursussen over dada en surrealistisch schrijven aan de School of Visual Arts. Haar leven was duidelijk en/en, waaraan ze in 1977 kunst toevoegde.

soorten palmbomen uit Florida

Dit begon bijna per ongeluk. Na een medische ingreep dat jaar bedankte ze haar arts met een zelfgemaakte valentijnskaart: een collage-gedicht van meerdere pagina's met zinnen die ze uit de Sunday New York Times knipte. Daarna maakte ze er voor zichzelf in de zes maanden daarna twee dozijn. Drie van de originelen bevinden zich op de vierde verdieping Elizabeth A. Sackler Center for Feminist Art, waar het grootste deel van de show is geïnstalleerd. In deze context lijken ze symbolisch voor een leven dat tot nu toe zelf een collage van interesses en invloeden was.

De volgende logische stap was om zichzelf voor te stellen aan de professionele scene. Wat ze tegenkwam waren niveaus van feitelijke segregatie. De overwegend blanke mainstream kunstwereld had geen tijd voor haar als een zichzelf beschreven Caribische Afro-Amerikaanse. De kleine, hechte, veelal mannelijke zwarte kunstwereld had weinig ruimte voor haar als vrouw. De blanke feministische kunstbeweging uit de middenklasse verleende toegang, maar hield haar op afstand.

Kenmerkend was dat haar reactie was om toe te slaan in plaats van zich terug te trekken, en dat deed ze door middel van kunst: guerrilla-achtige optredens in de persona van Mlle Bourgeoise Noire (Miss Black Middle Class), een ouder wordende maar pittige en mondige schoonheidskoningin die gekleed ging in een jurk genaaid van formele witte handschoenen en onuitgenodigd verschenen bij openbare kunstevenementen.

In deze gedaante crashte ze in 1980 een opening in Just Above Midtown, een galerij in Manhattan met een volledig zwarte selectie, schreeuwend dat zwarte kunst meer risico's moet nemen! Ze volgde dit op met een optreden bij de opening van een volledig witte show van uitvoerende kunst in het Nieuwe Museum, waar ze de claim van de instelling als een alternatieve ruimte uitdaagde en verklaarde dat een invasie op handen was.

De witte handschoenjurk van Mlle Bourgeoise Noire is in de Brooklyn-show te zien, evenals een reeks foto's die haar New Museum-uiterlijk documenteren. Deze nu klassieke gebaren van zwarte feministische ruimteclaims stralen veel verontwaardiging en sluwe humor uit en voelen hun tijd jaren vooruit, net als een tweede grote uitvoering een paar jaar later.

In 1983, nadat een collega in de feministische beweging te horen had gekregen dat avant-garde kunst niets met zwarte mensen te maken heeft, besloot O'Grady het tegendeel te demonstreren door deel te nemen aan de Afro-Amerikaanse Day Parade in Harlem. Voor een performance-stuk getiteld Art Is … huurde ze een praalwagen en artiesten om erop te rijden, elk met een lege vergulde fotolijst. Terwijl de praalwagen zich een weg baande naar Adam Clayton Powell Jr. Boulevard, daalden de artiesten de straat in en nodigden de toeschouwers uit om te poseren voor foto's binnen de kaders, om te worden omgezet in kunst. Het stuk was een schot in de roos. Mensen die hun portret lieten maken waren - dat zie je op foto's - uitbundig. (En het is nog steeds een hit: het inspireerde een video geproduceerd door de Biden-Harris-campagne van 2020.)

O'Grady zat ook glimlachend in de praalwagen en keek toe hoe dit zeer openbare werk van conceptuele kunst zich ontvouwde. Mijn favoriet van haar uitvoeringen dateert echter van een jaar eerder en was meer privé. Met de titel Rivers, First Draft of The Woman in Red is het een soort semi-autobiografische Pilgrim's Progress. Geënsceneerd op een zomerse dag, in een afgelegen hoek van Central Park, speelt het stuk symbolisch scènes uit het leven van de kunstenaar na. Een geheel in het wit geklede acteur speelt haar afstandelijke, onberispelijke moeder; een ander speelt O'Grady als een dromerig, schools kind. En de kunstenaar, gekleed in passierood, speelt een versie van haar veranderende volwassen zelf. Trauma's worden opgevoerd - romantische verliezen, politieke botsingen, zelfs een verkrachting - maar het verhaal, met een tempo als een middeleeuws mysteriespel en vastgelegd in 48 kleurenfoto's, eindigt met een rituele waad door geneeskrachtig water en wat aanvoelt als een staat van vrede.

Familie is het terugkerende onderwerp van deze kunstenaar. En Miscegenated Family Album (1980/1994), misschien wel haar meest bekende werk, bestaat uit gepaarde afbeeldingen van twee van hen: koningin Nefertiti en haar kinderen afgebeeld in sculpturen uit de 18e dynastie, en O'Grady's oudere zus, Devonia, die stierf in 1962, kinderen achterlatend, zoals te zien is op familiefoto's.

afbeeldingen van grote kamerplanten

Het stuk is te zien in de oude Egyptische kunstgalerijen op de derde verdieping van het museum en is een meditatie over menselijke connecties - zusterschap, moederschap, ouder worden - in de loop van de tijd. Maar het gaat ook over een onsterfelijke geschiedenis van racisme: westerse historici hebben de oude Egyptische cultuur traditioneel gezien als te klassiek/wit om Afrikaans te zijn, en te Afrikaans/zwart om Europees te zijn. O'Grady en haar biraciale Jamaicaans-Boston-familie worden toegewezen aan een soortgelijk voorgeborchte, zwevend tussen identiteiten - Afrikaans, Amerikaans, Afrikaans-Amerikaans, Caribisch - zonder verankerd te zijn in iemand in een of/of-wereld.

Het feit dat ze deelnemen aan al deze identiteiten, en dat dat een bron is van hun schoonheid en kracht, lijkt de boodschap te zijn van de enige video van de show, Landscape (Western/Hemisphere), gemaakt in 2010/2011. Geïnstalleerd op de Arts of the Americas-galerijen op de vijfde verdieping en tussen grootse, landgrijpende New World-vista-schilderijen van Frederic Church en Thomas Cole, lijkt de video in eerste instantie een doorlopend beeld van dicht, ritselend gebladerte. In feite is het een close-up van O'Grady's haar van gemengd ras, om de beschrijving van D'Souza in de catalogus te lenen. Met zijn tinten en kleuren donker en licht en zijn texturen gekruld en recht, is het een belichaamd voorbeeld van en/en.

Naast co-curator van de retrospectieve is D'Souza redacteur van Lorraine O'Grady: Writing in Space, 1973-2019, een boek met geschriften van de kunstenaar dat vorig jaar door Duke University werd gepubliceerd. Het is een boeiende kaft om te lezen, geen verrassing gezien de wortels van de kunstenaar in de literatuur. En de data van de inhoud en die van de werken in Brooklyn vallen vrijwel samen, met uitzondering van het meest recente stuk van de show.

Getiteld Aankondiging van een nieuwe persona (optredens om te komen!), en gedateerd 2020, het is een fotografische serie met de kunstenaar zelf in de gedaante van een dolende ridder volledig - inderdaad, onzichtbaar - ingekapseld in een harnas in middeleeuwse stijl op de derde vloer. Geeft het pantser een teken van gereedheid voor de strijd of een zelfbeschermende terugtocht? Je ziet het en denkt conquistador (slecht), totdat je een miniatuur palmboom (goed) ziet ontspruiten uit de helm, wat haar Caribische/Jamaicaanse afkomst suggereert. Precieze betekenissen, zoals de beloofde uitvoeringen, moeten nog worden onthuld. Maar het is duidelijk dat er iets en/of aan de hand is, bedacht met de morele scherpzinnigheid, humor en humane dapperheid die altijd de standaard hebben gemarkeerd die deze kunstenaar in het veld draagt.