Het Sandeep Narayan-interview: 'Ik wil dat mijn concert zo echt en echt mogelijk is'

Carnatic klassieke zanger Sandeep Narayan gelooft in hedendaagse waarden, zelfs terwijl hij beoefent wat als een conservatieve kunst wordt beschouwd. Benieuwd wie de stermuzikant was die hem opleidde en zijn perspectieven in kunst en leven vorm gaf? Lees dit boeiende gesprek.

Carnatic klassieke zanger Sandeep Narayan presteert tijdens een concert. (Express-foto: Ramanathan Iyer)

Een kind van school halen in de VS in zijn beginjaren en hem naar Chennai sturen om Carnatic-muziek te leren, was in de jaren negentig een nogal onorthodox idee. Niemand had het eerder gedaan, maar de Narayans in Los Angeles waren zulke liefhebbers van Carnatic-muziek dat ze dachten dat hun getalenteerde zoon het voordeel niet mocht missen dat kinderen van zijn leeftijd in Chennai genoten.

Hun zoon was net 11 jaar oud en had een natuurlijke aanleg voor muziek, want sinds zijn vroege jeugd hoorde hij thuis alleen maar Carnatische muziek. Hij leerde Carnatische muziek sinds de leeftijd van vier van zijn moeder Shubha Narayan, die zelf een bekende muzikale stamboom had. Maar toen de jongen te speels werd, vonden zijn ouders dat hij formeel van een andere goeroe moest leren. Ze vroegen de in Chennai wonende fluitmeester N Ramani, die Sandeeps oudere broer fluit leerde, of hij kon helpen. Na lang nadenken stelde Ramani voor dat de jongen naar India zou komen om te leren van Calcutta KS Krishnamurthi, een bekende musicoloog en een veelgevraagde leraar van ervaren artiesten.

Voor Krishnamurti was het verzoek een beetje ongewoon omdat hij geen NRI's had geleerd, laat staan ​​een kind, behalve waarschijnlijk die van gezinnen die permanent naar India waren verhuisd. Hij probeerde het vanwege Ramani, was onder de indruk van de vroege training en het inzicht van de jongen en stond hem toe om onder hem te leren.

De jongen verbleef ongeveer 18 maanden in India bij zijn moeder en onderging een behoorlijk strenge training onder Krishnamurti die gevuld was met lessen, concerten en meedogenloze oefening. Toen hij terugkeerde naar de VS, had hij een solide basis, een veel sterkere affiniteit met klassieke muziek en een diep verlangen om groot te worden in de Carnatic-muziek. Hij bleef trainen onder Krishnamurthi door zijn opnames en directe lessen in Chennai tijdens zomer- en wintervakanties.

Lees | Akkarai Sisters: 'Carnatische muziek is een spontane kunst, niet iets dat je tot in de puntjes kunt oefenen'

Helaas voor de jongen stierf Krishnamurti binnen drie jaar en had hij geen leraar van hetzelfde kaliber meer. Maar deze keer hoefde de familie niet op zoek naar een andere goeroe, omdat de jongen, nu in zijn tienerjaren, al zijn ogen had gericht op een nieuwe goeroe, die al een ster op zich was en een senior discipel van Krishnamurti . De jongen, die nog steeds in de VS woont en tweejaarlijks naar India reist, leerde de komende 15 jaar van zijn nieuwe goeroe en is nu een van de weinige hedendaagse Carnatic-muzikanten die zich een stijl eigen heeft gemaakt die uniek is voor zijn eigen goeroe. De training met de nieuwe goeroe was levensveranderend en de jongen verhuisde in 2006 definitief naar Chennai nadat hij zijn bachelorstudie had afgerond. Hij is nu een van de topsterren van de jongere generatie Carnatic-muzikanten en de eerste Indiaas-Amerikaanse jongen die van Carnatic-muziek een carrière maakte in India.

Dit is het verhaal van Sandeep Narayan, de coole kerel van Carnatic-muziek die bekend staat om een ​​stijl die rijk is aan classicisme, expressies en improvisatie. Hij is een prime-time zanger in Chennai's Sabhas, waaronder de Madras Music Academy, en is ook een veelgevraagde klassieke artiest in andere Indiase steden. Hij is ook een van de jongere generatie klassieke muzikanten die in staat is om de kunst naar de nieuwe generatie en een cross-over publiek te brengen.

Sandeep, begiftigd met een aantrekkelijke stem die flexibel is en in staat is om moeiteloos over octaven te bewegen en bekend staat om zijn diep expressieve stijl, is een heerlijke artiest die indrukwekkende kenners van klassieke muziek uit alle leeftijdsgroepen aantrekt, zowel in Chennai als elders. Hij is behoorlijk bedreven in alle aspecten van klassieke zang en zijn stijl is rijk aan goed gebeeldhouwde gamaka's, briga's en aantrekkelijke muzikale geluiden die Carnatische muziek zelfs voor leken aantrekkelijk maken. De inherente laya van zijn zang, zowel in lage als in hoge snelheden, geeft een zekere helderheid, evenwicht en een aangename gang van zaken aan zijn muziek. Zijn verfijnde klassieke technieken en geïnformeerde blootstelling aan andere vormen van muziek en kunst maken zijn improvisaties charmant en overtuigend, of het nu gaat om ragazang, neraval (improvisatie van het zingen van een refrein uit de hoofdcompositie), kalpanaswaras (waarin de zanger zich bezighoudt met een fantasierijke presentatie van de noten van de raga) en, belangrijker nog, de Raga Tanam Pallavi (RTP), die de technische en creatieve veelzijdigheid van een Carnatic-zanger benchmarkt.

Sandeep is een ontvanger van vele regionale en nationale onderscheidingen. Hij was een beste concertartiest aan de Muziekacademie en ontving vorig jaar vele titels zoals de Ustad Bismillah Khan Yuva Puraskar van de Sangeet Natak Akademi.

niet-vruchtdragende perenboom

Wat hem een ​​beetje uniek maakt, is ook het feit dat hij geen ouderwets conservatieve Carnatic-zanger is. Waarschijnlijk kun je hem een ​​hedendaagse conservatief noemen, wat betekent dat hij in hedendaagse waarden gelooft, zelfs terwijl hij beoefent wat als een conservatieve kunst wordt beschouwd. En muzikanten zoals hij laten zien dat zelfs een eeuwenoude kunst als Carnatic-muziek behoorlijk eigentijds en toekomstgericht kan zijn.

Benieuwd wie de stermuzikant was die hem opleidde en zijn perspectieven in kunst en leven vorm gaf? Lees dit boeiende gesprek.

Sandeep Narayan ontvangt SNA Yuva Puraskar van de Manipur-gouverneur Najma Heptullah in 2019.

Laat ik bij het begin beginnen. Je was een pionier als de eerste Indiaas-Amerikaanse jongen die ervoor koos om Carnatic-muziek na te streven als een carrière in India. Hoe is het gebeurd en wat voel je als je terugkijkt? Heb je veel leefstijlaanpassingen moeten ondergaan?

Op dat moment wist ik waarschijnlijk niet wat ik moest doen en het was een soort experiment dat uiteindelijk werkte. Ik wist zeker dat ik in de Carnatische muziek wilde zitten en dat kon alleen in Chennai. Op het gebied van levensstijlaanpassing had ik geen probleem omdat muziek belangrijker was dan wat dan ook: om muziek te leren, naar concerten te gaan en uiteindelijk op te treden. Dat waren de doelen. Sterker nog, ik ben het niet eens met mensen als ze zeggen dat de levensstandaard hier minder is, omdat het afhangt van wat je zoekt en wat je waarden zijn. Ik kan stellen dat de levensstandaard hier eigenlijk beter is. Je krijgt veel dingen die je leven hier gemakkelijker en gelukkiger maken. Als ik bijvoorbeeld een kopje chai wil drinken, hoef ik niet naar Starbucks te rijden, ik kan een paar meter lopen naar elke theekadai (winkel)! Ik heb hier ook geweldige vrienden. Eerlijk gezegd ben ik best blij.

Was het gemakkelijk om je met een Indiase goeroe aan te passen aan een muzieksysteem dat zelfs vandaag de dag nogal conservatief lijkt?

Mijn eerste goeroe in Chennai, KSK Mama (KS Krishnamurti), was niet erg orthodox en we konden het goed met elkaar vinden. Het was grappig dat er een 11-jarige jongen was met een heel sterk Amerikaans accent die muziek wilde leren van een oudere vidwan. Hij was een beetje sceptisch, maar toen hij me hoorde zingen, was hij blij. Na onze eerste les vertelde hij me dat hij me op een hoger niveau zou gaan lesgeven omdat hij dacht dat ik capabeler was dan kinderen van mijn leeftijd. Er klikte zeker iets tussen ons.

Je kwam sinds 1996 naar India om te leren onder Calcutta Krishnamurti en toen hij stierf, stapte je over naar een andere goeroe en leerde je lange tijd onder hem totdat je vrij onafhankelijk werd. Kun je je evolutie als muzikant in Chennai beschrijven?

KSK Mama moedigde me aan om vrij vroeg manodharma te verkennen. Tot dat moment had ik weinig geïmproviseerde muziek gemaakt zoals alapana, neraval, swara's etc. Hij leerde me ook veel nieuwe raga's en gaf een andere richting en diepte aan mijn muzikale zoektocht.

In 1999, toen hij stierf, moest ik van iemand anders leren en de enige persoon die ik in gedachten had was Sanjay Subrahmanyan. Ik kende hem al voordat ik naar KSK Mama ging, omdat onze familie hem had ontmoet tijdens zijn concerttournee door de VS in 1995. Zelfs als kind was ik een grote fan van hem en volgde ik hem sinds 1996-97 religieus. Wanneer ik in Chennai was, ging ik naar zijn concerten en zat ik op de eerste rij. Hij leerde ook van KSK Mama samen met andere bekende artiesten zoals Sudha Raghunathan en P Unnikrishnan, onder anderen. Ik was echt door de sterren getroffen en vond het ook cool dat ik leerde van dezelfde goeroe van wie Sanjay Subrahmanyan ook leerde.

Lees | Het publiek komt om van muziek te genieten, niet om je wiskundige tovenarij te zien: Neyveli Venkatesh

Dus toen mijn goeroe er niet meer was, vroeg ik Sanjay of hij me les kon geven. Ik was absoluut zeker van mijn keuze, maar hij aarzelde een beetje omdat hij dacht na het leren van KSK Mama, die heel senior en veel ouder was, dat ik verder moest gaan met iemand van die generatie. Maar voor mij was Sanjay de perfecte match. Ik kon het zo goed met hem vinden en dat vonden mijn ouders ook fijn.

Met mij en Sanjay was het een goed idee. Vroeger hadden we het over sport, films, andere muziekstijlen, enz.

Leer je nog van hem?

Ik leerde regelmatig van hem tot ongeveer 2014-15. Geleidelijk aan werden de lessen minder frequent vanwege mijn toenemende reizen en zijn toch al drukke reisschema. Hij wilde ook dat ik zelf zou leren en uitbreiden. Ik ben nu onafhankelijker in mijn leerproces, maar ik raadpleeg hem wel met al mijn muziekvragen die ik van tijd tot tijd heb. Twee jaar geleden stuurde ik hem bijvoorbeeld een bericht of ik een paar liedjes kon leren en hij stemde onmiddellijk toe. Zelfs vandaag de dag, als ik iets te verduidelijken heb in muziek, ga ik naar hem toe.

Zoals je weet, vinden mensen veel invloed van Sanjay in je muziek, waaronder enkele gebaren, geluidsmanieren, sangathis enz.

Ja, ik weet het (lacht). Maar degenen die Sanjay's en mijn muziek volgen, hebben ook gemerkt hoe en wanneer ik ben afgeweken van de stijl van Sanjay Sir. Degenen die terloops luisteren en weten dat ik zijn leerling ben, zullen die associatie natuurlijk maken en commentaar geven op eventuele overeenkomsten, echt of waargenomen.

De andere invloed is ook zijn benadering van het concert zelf. Er is een bepaald niveau van professionaliteit dat hij heeft en het heeft ook op mij gewreven waarvoor ik hem erg dankbaar ben. Hij heeft respect voor andere artiesten, organisaties en het publiek. Hij heeft me gezegd: denk nooit dat het publiek dom is. Neem ze nooit als vanzelfsprekend aan. Dat is iets dat ik me altijd herinner en waar ik me in mijn concerten aan probeer te houden. Zijn niveau van focus en ernst is ontzagwekkend: hij is eigenaar van die zaal, de hele ruimte, wanneer hij in een concert is.

Het is beter om zanger Sandeep Narayan een hedendaagse conservatief te noemen, wat betekent dat hij gelooft in hedendaagse waarden, zelfs terwijl hij beoefent wat als een conservatieve kunst wordt beschouwd. (Express-foto: Rajappane Raju)

De stijl van Sanjay gaat veel over innovatie. Hoe innovatief ben jij op het podium?

Ik ga misschien naar een concert met de gedachte dat ik die dag iets speciaals ga zingen, maar zo werkt het niet altijd. In plaats daarvan kan er iets anders gebeuren. Kijk, er zit veel muziek in je hoofd terwijl je op dat concertpodium zit vanwege je constante luisteren en leren - van populair tot klassiek - en plotseling komt er iets in je hoofd op. Als zulke dingen gebeuren, vind ik het leuk om dat te onderzoeken. Dat is zeker iets dat ik van mijn goeroes en andere artiesten heb gekregen. Als er iets in je hoofd opkomt, onderzoek dat dan. Zeg geen nee. Kijk wat je ermee kunt doen binnen de grenzen van onze structuur, zodat het niet iets anders wordt. Carnatic concert is geen filmmuziekconcert, evenmin een fusionconcert, maar binnen het kader ervan is er nog ruimte voor creativiteit. Zo benader ik het graag.

Het was bekend dat je in je vroege jaren meedogenloos urenlang samen oefende. Nu je bezig bent met concerten en tournees, hoe ga je daar mee om?

Tijdens mijn recente tour door de VS vroegen veel kinderen me hoeveel je moet oefenen om een ​​bepaald niveau te bereiken. Mijn antwoord daarop was dat er geen formule is. Er was nooit een formule voor mij. En het gaat zeker om kwaliteit boven kwantiteit. Je moet gewoon hard blijven werken en het vertrouwen in jezelf hebben dat het op een dag klikt. Toen ik in de VS woonde, was oefenen veel moeilijker met school, universiteit enz. Op de universiteit was zelfs het vinden van een locatie een probleem omdat ik een appartement deelde met drie anderen. Maar in die tijd luisterde ik veel naar muziek om dat goed te maken, en als ik elke maand naar huis ging, oefende ik elke dag 2-3 uur. Toen ik naar Chennai verhuisde, waren er niet zoveel problemen en kon ik 's ochtends minstens 2-3 uur oefenen en nog eens 2-3 uur' s middags of' s avonds. Ik ging ook bijna elke dag naar concerten, ongeacht wie de artiest was. Met andere woorden, ik vulde op dat moment al mijn tijd met muziek. Veel was herhaling.

Herhaling is hoe wetenschap werkt. Je herhaalt, je bent perfect, nietwaar?

Ja, iets wat studenten tegenwoordig in gedachten moeten houden, is dat ze niet alleen een liedje moeten leren en dan naar het volgende moeten gaan. Een ding dat al vroeg in mijn hoofd werd geboord, was dat je een lied honderd keer moet zingen. Dat is wat de beste artiesten, vooral van weleer, wisten en deden. Ergens in het midden raakte het bij veel aspirant-muzikanten in de vergetelheid. En ik geef toe dat zelfs ik soms het slachtoffer ben van die houding: ik denk dat ik een lied heb geleerd, ik heb het een paar keer gezongen en nu wil ik het zo snel mogelijk in een concert zingen. Het kan die dag werken en ik ben misschien veilig, maar als ik hetzelfde lied zing na een maand, twee maanden of zes maanden, zouden de versie van die dag en de eerste versie mijlenver uit elkaar liggen. Als je een liedje voor de eerste keer zingt, reciteer je het gewoon, maar als je het zo vaak oefent gedurende een bepaalde periode, kan het jouw liedje worden. Je reciteert niet meer iets uit het hoofd, het is een deel van jou. Dat zie ik ook vandaag nog. Herhaling is iets dat ik in de loop der jaren heb beseft als zo belangrijk. Ik zing varnams keer op keer. Verschillende snelheden, met verschillende gamakam-verkenning, verschillende dingen zoals dat.

Nu met concerten en reisschema's heb ik niet zoveel kunnen oefenen, maar ik probeer minstens een of twee uur per dag opzij te zetten. Op reisdagen zal de oefening zijn als een concertrecap: wat te zingen en wat te vermijden omdat ik de liedjes en raga's die ik eerder op dezelfde locatie had gezongen, niet zou willen herhalen. Toen ik deze keer bijvoorbeeld naar het Chembai-festival in Guruvayoor ging, realiseerde ik me plotseling dat ik al heel lang geen Rasavilasa (Swathi Thirunal-lied in raga Kamboji) had gezongen. Dus tijdens de autorit van het vliegveld van Coimbatore naar Guruvayoor luisterde ik naar een opname ervan en probeerde mijn geheugen op te frissen. Uiteindelijk heb ik het niet gezongen omdat er een verzoek was voor een ander nummer, maar ik ben blij dat het weer in mijn geheugen zit en ik ben van plan het binnenkort weer te zingen.

Van Carnatische muzikanten is bekend dat ze verschillende stemtechnieken gebruiken om hun zang te perfectioneren, soms zelfs met de hulp van stemspecialisten. Heb je er een?

Wat ik me realiseer is dat onze muziek zelf zoveel ingebouwde oefeningen heeft. Zelfs de basisdingen zoals de sarali-varisai en janta-varisai zijn oefeningen op zich. Helaas zijn ze bestempeld als de opstap voor beginners om een ​​varnam te leren en als je daarmee klaar bent, ga je naar swara jathis en geetham en heb je de neiging niet achterom te kijken. Maar die dingen zijn tijdloos. Het zijn zulke goede oefeningen die voor ons zijn uitgestippeld. Het staat daar in je eerste geetham-boeken. Die zing ik soms in verschillende raga's en met verschillende snelheden, met behoud van de helderheid. Dat is op zich al zo'n geweldige stemoefening. Het is voor mij een leuke uitdaging geworden.

Sandeep Narayan treedt op tijdens een concert in de Kapali-tempel in Chennai in 2019.

Zelfs de Varnams zijn zulke goede oefeningen. De snelheid gaat langzaam tot snel, het deuntje varieert vaak van heel laag tot heel hoog, en we doen swaram, sahithyam, enz. Dat alles. Dus de stemoefeningen horen eigenlijk bij onze muziek. We moeten ze alleen op de juiste manier verkennen en gebruiken.

Maar ik heb ook met getrainde professionals gesproken over de soorten warming-up- en cooling-downoefeningen die kunnen helpen om je stem te behouden. We denken meestal niet dat afkoeling nodig is, maar het is net als elke andere spier en elke andere training in een sportschool, en op dezelfde manier is discipline en oefening vereist in beide.

Tegenwoordig is er veel vraag naar afwisseling en daarom moet een artiest zijn/haar repertoire voortdurend uitbreiden. Zet het je onder druk?

Misschien tientallen jaren geleden kon je dezelfde reeks liedjes keer op keer zingen in stad na stad, en die liedjes ook polijsten. Vandaag de dag, met de komst van sociale media en digitale platforms, kun je dit echter niet zo veel doen. Als ik op één plek een lied of raga zing, zou iedereen in andere steden het vrijwel onmiddellijk weten. Als ik het binnenkort in een andere stad zou herhalen, zouden ze zeggen dat ik overal dezelfde liedjes zing, en zeggen dat ik misschien niets anders weet! Dus vaker nieuwe liedjes zingen is een beetje een noodzaak geworden. Het nadeel is dat als je constant nieuwe dingen zingt, je niet dieper in de nummers kunt komen die je onder de knie wilt krijgen. Het kan dus zeker veel druk zijn. Zoals ik eerder al zei, zou je een nummer idealiter meerdere keren moeten zingen voordat je het in het openbaar presenteert, wat ook de stem kan belasten wanneer je constant probeert het repertoire voor elk concert bij te werken.

Abhishek Raghuram interview: 'Er is geen goed en fout in kunst. Voor mij gaat het om zelfexpressie'

Mijn aanpak is om, naast het zingen van nieuwe, ook in oude nummers een frisheid te brengen. Niet alleen voor het publiek, maar ook voor mezelf. Als ik vandaag iets zing dat ik 20 jaar geleden zong en als het nog steeds hetzelfde klinkt, betekent dat dat ik als muzikant niet ben gegroeid. Hoewel artiesten waarschijnlijk vaker weg hadden kunnen komen met het zingen van een nummer dan vandaag, heb ik ook gemerkt dat de grootste artiesten niet alleen iets vonden dat werkte en hetzelfde bleef doen. In plaats daarvan bleven ze allemaal evolueren. Je ziet zoveel verandering en volwassenheid in hun muziek door de jaren heen.

Maar de vorige meesters hadden niet zo'n druk om hun repertoire uit te breiden

Ik weet niet zeker welke druk de vorige meesters wel of niet hadden. Maar ik vermoed dat het waar kan zijn en daarom waren ze in staat om enkele van hun handelsmerknummers te zingen die hun hits werden die we met hen associëren. Laten we niet vergeten dat ze wel nieuwe nummers en raga hebben geïntroduceerd. Ik maakte kennis met enkele Hindoestaanse raga's zoals Durga en Gavathi via de muziek van GN Balasubramaniam. Soms maakten ze de raga beroemd en soms maakte de raga ze beroemd. Maar ook in deze benadering was er dynamiek. Het lied mag dan hetzelfde zijn, maar ze brachten zulke nieuwe ideeën voor de swarazang, de neraval enz. Zoals je weet, verwijzen mensen zelfs naar die liedjes door hun opnamedatum. Artiest X zong een onvergetelijk lied Y in het jaar Z. Waarom doen mensen dat? Want zelfs als het nummer of de raga hetzelfde is, is de vertolking dat niet. Als je het gevoel hebt dat een artiest na vier concerten hetzelfde klinkt, heb je misschien geen zin meer om naar hem/haar te luisteren. Succesvolle artiesten van vroeger en nu hebben altijd vermeden om in die val te trappen. Bij elke voorstelling brengen ze iets anders.

Sandeep Narayan treedt op tijdens een concert in Carnegie Mellon University, Pennsylvania, in 2013.

Veel vroegere meesters die mensen nu aanbidden, hadden in hun tijd niet de nodige erkenning gekregen. Volg je hun werk?

Er waren enkele artiesten waarvan we vaak het gevoel hebben dat ze tijdens hun tijd ondergewaardeerd werden in vergelijking met hun werkelijke competentie en bijdrage. Mensen hebben het altijd over MD Ramanathan als voorbeeld daarvan. Ik heb het gevoel dat Thanjavur S Kalyanaraman ook zo was. En hoewel Madurai Somasundaram in zijn tijd behoorlijk wat succes had, lijkt hij om wat voor reden dan ook nog steeds niet de geschiedenisboeken in te gaan op gelijke voet met sommige van zijn leeftijdsgenoten. In 2019 vierden we zijn honderdjarig bestaan, Somu 100, op veel plaatsen, maar daarvoor hoorde je de laatste jaren nauwelijks mensen praten over zijn naam en zijn muziek. Ik vind dat nogal vreemd.

Is het niet vreemd dat mensen nu meer over Kalyanaraman praten?

Tegenwoordig is hij een cultheld. Ik denk dat hij eigenlijk zijn tijd vooruit was. Ik hoor zelfs veel interessante anekdotes over SKR van zijn discipelen, familieleden en vrienden die hem persoonlijk kenden. Een daarvan is hoe hij veel onderzoek deed naar stemtechnieken om zijn eigen vaardigheden te verbeteren. Door deze technieken kon hij de precisie in sruthi en laya behouden. Ik kreeg zelfs te horen dat hij 's nachts alleen zat als alles stil was en zijn stemoefeningen deed. Hij had ook de dwi-madhyama panchama varjya-raga's verkend, iets dat een concept was dat nog niemand echt had onderzocht, en hij was een expert op het gebied van vivadhi-raga's. Mensen kijken tegenwoordig met veel ontzag naar zijn oeuvre. Of tenminste, dat doe ik zeker.

Telkens wanneer mij wordt gevraagd wie de enige persoon is die ik had willen ontmoeten en waar ik wat tijd mee had doorgebracht, is hij altijd degene die in me opkomt.

Omdat je uit een ander sociaal-cultureel milieu komt en wordt blootgesteld aan andere vormen van kunst en muziek in de wereld, heeft dit dan invloed op je muziek?

Ik heb altijd veel naar westerse pop, rock, R&B, hiphop enz. geluisterd. Zelfs vandaag de dag nog. Mijn Spotify-afspeellijsten zijn een mix van Amerikaanse en Britse artiesten en Indiase. Luisteren naar niet-Carnatische muziekstijlen is voor mij vaak een bevrijding of opluchting. Carnatische muziek brengt me altijd in een diepe focus en heeft mijn hersenen constant aan het werk. De enige manier voor mij om het uit te zetten of er even tussenuit te gaan, is door naar andere stijlen te luisteren. Maar ik weet niet hoeveel daarvan mijn Carnatic-muziek heeft beïnvloed. Ik denk niet dat ik rap of hiphop in carnatic kan brengen (lacht)!

Maar er kunnen elementen in populaire muziek of andere vormen zijn die uw klassieke muziek kunnen verrijken of kleur kunnen geven

Ik zou zeggen dat waarschijnlijk oude filmnummers zich gemakkelijker lenen voor Carnatic-muziek, vooral als ze op raga zijn gebaseerd. Of verschillende ritmische patronen uit andere stijlen. Ze zijn misschien niet traditioneel, maar we kunnen ze een stuk makkelijker in onze muziek opnemen. Meestal een beetje jazz omdat er veel parallellen zijn. Ik denk niet dat rockmuziek zich te veel leent voor Carnatic, zonder het genre van fusion binnen te gaan.

Jazz vind ik het westerse, of liever Amerikaanse equivalent van Carnatische muziek. Beide zijn vergelijkbare muziek van improvisatie. Ik vraag me vaak af waarom mensen geen Jazz-technieken in Carnatic-muziek proberen, omdat het concerten kleurrijker zou maken, zelfs zonder zijn classicisme of ernst te verliezen

Ja, je hebt gelijk, Jazz is het dichtst bij Carnatic. Vanwege de gebruikelijke term klassiek vergelijkt iedereen standaard Zuid-Indiase of Noord-Indiase klassieke muziek met westerse klassiek. Maar als je kijkt naar de technische details en de concertpresentatie, lijkt Jazz meer op Carnatische muziek. Terwijl ze bijvoorbeeld een refrein hebben, hebben we een regel uit een lied of een pallavi in ​​raga-tanam-pallavi. Pallavi is hetzelfde als een refrein nemen zoals in Jazz en steeds opnieuw improviseren. Tanam is ondertussen vergelijkbaar met scatting. We nemen slechts een paar lettergrepen die geen lyrische betekenis hebben en combineren melodie en ritme met elkaar.

Een andere parallel is het vaardigheidsniveau dat je nodig hebt

Zelfs qua training lijkt het erg op Carnatic-muziek. Hun vaardigheden of training kunnen betrekking hebben op zingen, piano spelen, saxofoon of drums. Het is een technische opleiding. En ze luisteren veel. Jazzartiesten zijn constant aan het spelen of luisteren naar iets. Als ze de technische vaardigheden eenmaal onder de knie hebben, komt op een gegeven moment hun creativiteit binnen omdat ze ook veel luisteren. Ze hebben de technische expertise om te doen wat in hun hoofd zit. Die boodschap van de hersenen naar je stem of vingers wordt verzorgd vanwege je technische vaardigheden. Het is ook hetzelfde in Carnatic.

Een still uit MadRasana's Gopala Gokula Music-videoshoot.

Maar het is vreemd dat jazzmuzikanten uit een arm milieu kwamen, terwijl Carnatic een ander sociaal-cultureel profiel heeft dat er soms van wordt beschuldigd zelfs exclusief te zijn

Waarschijnlijk heeft dat iets te maken met hoe de cultuur zich in een gemeenschap heeft ontwikkeld. Ja, de demografie is erg contrasterend, terwijl de training, de stijl en de manier waarop we met ideeën komen zo op elkaar lijken. Als een parallelle structuur. Van bijna het begin.

Maar is er in Carnatic niet een vorm van discipline, zelfs niet bij improvisatie, omdat het wordt gecontroleerd door een oud conservatief systeem?

Nou, ik zou zeggen dat er zelfs in Jazz nog steeds enkele regels zijn: ze hebben een ritmische cyclus en hoewel ze geen raga volgen zoals wij, hebben ze een modus of een schaal. Er zijn bepaalde noten die in deze modus komen, de volgorde van de noten is misschien niet erg strikt, en af ​​en toe zullen ze een buitenlandse noot binnenbrengen alleen voor het contrast, maar ze gaan terug. Ze volgen meestal hun schalen, wat vergelijkbaar is met wat wij doen. Ja, je hebt wel gelijk. In Carnatic-muziek merk ik dat er mensen zijn die veel regels proberen op te leggen.

Soms klinkt zelfs een kleine onvolmaaktheid goed, nietwaar?

Ik geloof niet in de juiste en verkeerde benadering. Het is meer een goed en slecht. En dit kan worden beoordeeld op basis van de ervaring en volwassenheid van een kunstenaar. Er is bijvoorbeeld een identiteit voor een raga. Je hoeft niet alle noten van de toonladder te horen om te weten dat het een Todi of een Sankarabharanam is. Uit één zin kun je weten welke raga het is. Hoe herken je een raga, zelfs als ik niet alle noten heb gezongen? En waar komt dit goed en kwaad vandaan? Muziekpresentatie moet gaan over de esthetiek en de verbinding die het creëert. Ik hou persoonlijk niet van het opleggen van dergelijke regels voor elk klein ding.

Zangers uit het verleden zoals Madurai Somu en hedendaagse muzikanten zoals Sanjay Subrahmanyan hebben veel onconventionele elementen in hun muziek waardoor ze een genre op zich zijn. Ben je niet geïnspireerd om iets soortgelijks te doen?

Ze zijn allebei absoluut zeer inspirerende artiesten voor mij. Maar ik wil niet bewust iets onconventioneels doen, alleen maar om mijn eigen genre te hebben. Misschien zal ik op een dag terugkijken en zien dat ik onconventionele dingen heb gedaan, maar ik zou willen dat dat allemaal natuurlijk was en vanzelf op het juiste moment kwam. Misschien levert dat een ander genre op, zoals je zegt. Vaak luister ik graag naar iets en waardeer ik de schoonheid ervan, in plaats van het te ontleden en te beslissen of het conventioneel is of dat het een nieuwe ruimte is binnengegaan. De nieuwe ruimtes zullen zich organisch vormen naarmate ik groei, en naarmate mijn muziek nog meer rijpt.

Hoe belangrijk is jouw connectie met het publiek?

Het is ontzettend belangrijk voor mij. Als ik in een donkere zaal zing, zal ik de organisatoren vragen de lichten aan te doen omdat ik niet tegen een zwarte muur wil zingen. Ik wil de mensen zien, hun ogen, hun reacties, alles. Voor mij voed ik me daar zo mee. Als ik voel dat ze niet bij me zijn of niet positief reageren, verander ik ter plekke mijn koers. Het is een gesprek. Het publiek reageert en communiceert op hun eigen manier naar mij terug. Voor wie zingen we zonder het publiek? Ze zijn een integraal onderdeel van de concertervaring. Als ik een zeer ontvankelijk publiek heb, heb ik het gevoel dat ik alles kan zingen. Ik voel me superman op die dagen. Als ik geen reactie terug krijg, kan ik zelfs aan mezelf gaan twijfelen.

Gebruik je de connectie met het publiek als een techniek om hun feedback te krijgen?

Ik denk dat je in de eerste paar nummers zelf de zakken in het publiek kunt vinden die echt reageren op wat je doet. Mijn ogen en mijn focus zullen er op natuurlijke wijze naar terugkeren. Ik doe het niet bewust, maar het gebeurt instinctief. Soms kijk je instinctief nog een seconde extra naar ze om te bevestigen wat je zingt, omdat ze me tot dan toe stilletjes feedback gaven.

Reageert het publiek in Chennai?

O ja, absoluut. Je moet niet vergeten dat in Chennai het publiek wordt blootgesteld aan zoveel muziek, dus de gemiddelde rasika in Chennai is behoorlijk geschoold in Carnatische muziek. Er is een reden waarom iedereen hier van over de hele wereld komt. Waarom ben ik van LA naar Chennai verhuisd? Hier naam maken is echt de uitdaging. Het publiek hier is erg veeleisend, maar zal je eerlijke feedback geven.

Sandeep Narayan zegt dat je op sommige plaatsen weg kunt komen met bepaalde dingen, zoals borderline-gimmicks, maar in Chennai moet je voorzichtig zijn omdat het publiek alles heeft gezien. (Express-foto: Rajappane Raju)

Hoe genereus zijn ze in het geven van feedback?

Je kunt op sommige plaatsen wegkomen met bepaalde dingen, zoals borderline-gimmicks, maar in Chennai moet je voorzichtig zijn omdat het publiek alles heeft gezien. Ik kan zeggen, ik heb de wereld rondgereisd en voor alle doelgroepen gezongen, maar Chennai zal antwoorden dat het me niet kan schelen waar je bent geweest, je moet nu voor mij zingen. (lacht)

Het is op veel manieren nederig. Een positieve reactie krijgen van een Chennai-publiek betekent veel. En ze reageren wel, ze geven het waar het moet. Als je iets probeert te doen om hun waardering te krijgen, zullen ze dat doorzien. Maar als jij en je muziek echt zijn, zullen ze reageren. Je zult misschien verrast zijn als ze iets waarderen terwijl je het niet had verwacht. Het kan een realiteitscheck zijn.

Het is de schoonheid van het Chennai-ecosysteem, want dat is wat deze Carnatische traditie in stand houdt. Is het niet?

Ja. Het ecosysteem draait niet alleen om de artiesten, maar ook om het publiek. Zonder hen zouden we onze muziek misschien niet zo veel naar een hoger niveau tillen. Ik zeg altijd tegen studenten en artiesten die buiten Chennai wonen om hier te komen kijken wat mensen van hun leeftijdsgroep of leeftijdsgenoten muzikaal doen.

Goed passen is succesvol zijn in Chennai en elders, toch?

Dat is de ideale balans. Hier scherp je je vaardigheden echt aan. Ondertussen leert optreden op andere plaatsen je hoe je anders kunt presenteren voor verschillende doelgroepen. Beide zijn nodig om een ​​succesvolle artiest te zijn.

Maakt de uitdaging van improvisatie je kwetsbaar op het podium?

Ik vind dat je op het podium een ​​beetje kwetsbaar moet zijn. Ik voel me verdrietig als een artiest het gevoel heeft dat wat hij of zij op het podium gaat presenteren perfect moet zijn. Op het moment dat je daarmee begint, verken en verbreed je je muzikale creativiteit niet zo veel als je kunt. Nu maakt u zich meer zorgen over het commerciële pakket. U probeert een merk of naam die u heeft gevestigd te behouden. Er moet een balans zijn tussen de standaard die je hebt vastgesteld terwijl je de creativiteit nog steeds aan het verkennen bent. Dat betekent dat je je tot op zekere hoogte kwetsbaar moet opstellen voor het publiek.

Als ik het podium betreed, is er een bepaald deel van mij dat zelfverzekerd is en zegt: Oké, dit is mijn comfortzone. Maar als ik alleen ga doen waarvan ik weet dat het veilig is en al is getest, hoe ga ik dan als artiest naar het volgende niveau? De kwetsbaarheid waar ik het over heb, gaat over jezelf openstellen voor het publiek en zeggen, hey, ik probeer iets en laten we samen kijken hoe het gaat. Dat is ook onderdeel van het gesprek waar ik het eerder over had.

Sandeep Narayan treedt op tijdens een concert in Kuthiramaligai, Thiruvananthapuram, in 2015.

Tijdens een van onze Amerikaanse tourconcerten probeerde ik een gecompliceerde korvai die ik voldoende had geoefend, maar het werkte niet alleen terwijl ik op het podium stond. Het werkte niet één keer, twee keer en de derde keer dacht ik oké dat het zou gebeuren, maar dat gebeurde niet. Op dat moment schakelde er iets in mijn brein uit. Als ik een minuut stilte had gekregen om na te denken en het uit te werken, zou ik het aankunnen; maar de talam ging door, het publiek keek toe en er was geen tijd om na te denken. Uiteindelijk eindigde ik met een andere korvai. Maar toen de mridangam-artiest de solo begon te spelen, speelde hij de korvai correct. Ik deed meteen mee en zong het met hem. Toen kondigde ik aan het publiek aan dat ik dat probeerde te zingen. Ik zei ook dat als ik het niet had gekregen, ik die nacht niet had kunnen slapen! (lacht)

Deze onvolkomenheden maken concerten memorabel, nietwaar?

Ik denk het wel, maar ik wil niet dat zulke dingen vaak gebeuren. Als er iets natuurlijks en organisch gebeurt, is het prima. Er gebeurde iets buiten het plan en ik was transparant. Ik denk dat dat de kwetsbaarheid is waar we het over hadden. Ik wil dat mijn concert zo echt mogelijk is.

Hoe plan je een concert?

Ik probeer de raga's en composities die ik in het recente verleden op die plek heb gezongen niet te herhalen, maar soms ontkom je niet aan herhaling als je een ghana-raga wilt opnemen, want daar zijn er maar een beperkt aantal van. En meestal, als ik ze tijdens een concert vermijd, zullen mensen natuurlijk vragen waarom er geen Bhairavi, Thodi of Kamboji was enz. En ze hebben ook gelijk. Waarschijnlijk zal ik, om herhaling te voorkomen, een andere compositie zingen, of de ene dag een ghana raga in een Pallavi gebruiken, en een andere dag als main etc.

Het tweede ding is om een ​​verscheidenheid aan componisten en talams te krijgen. En ook variatie aan raga's qua contrast. Je moet de luisteraar meenemen op die reis en daarmee geef je wat afwisseling.

Het hangt er ook vanaf waar ik zing. In Tamil Nadu zing ik een of twee Tamil-liedjes, in Karnataka een of twee Kannada-liedjes en in Kerala een of twee Swathi Thirunal-liedjes. Mix bekende nummers en voeg een of twee zeldzame toe. We moeten constant balanceren. Zo benader ik een concert. Verander ik de lijst nadat ik op het podium ben gekomen? Ja altijd. Nadat ik de locatie heb bereikt en het publiek heb gezien, denk ik soms dat mijn plan niet goed zal werken en daarom wijzigingen in de speeltijd aanbrengt!

Als mensen tijdens het concert naar je toe komen met verzoeken, verstoren ze dan je schema?

Als ik van tevoren een verzoek krijg, is het makkelijker om het in mijn concertplan op te nemen. Soms komen deze verzoeken ook overeen met uw denkwijze. Soms doen ze dat niet, maar ik vind het niet erg. Ik doe in ieder geval mijn best om aan de meeste verzoeken die ik krijg tijdens concerten te voldoen. Het is tenslotte onze taak om te zingen wat het publiek wil.

Sommige zangers voegen nieuwe composities toe aan hun repertoire om hun concert te contempleren? Zeg bijvoorbeeld het toevoegen van moderne poëzie als compositie of een Pallavi.

Ik doe het waarschijnlijk niet actief omdat er al zoveel is. Misschien is dit iets dat ik later bewuster zou doen als ik voel dat de tijd rijp is.

Wat is jouw benadering van het verkennen van raga's?

Er is meestal een skelet voor veelgehoorde raga's en het is onze taak om het creatief op te vullen. De ghana-raga's bieden wat dat betreft veel speelruimte. En in de meeste raga's zijn er altijd gevestigde sangathis waarop je kunt terugvallen als een nieuw pad dat je neemt niet werkt. Als ik die raga's zing, voel ik me zelfverzekerd om meer te verkennen en te experimenteren, terwijl ik terugkeer naar de beproefde patronen en overgangen.

Dan zijn er raga's met weinig tot geen kader en sjabloon omdat ze bijna nooit worden gezongen. Dit is het andere uiterste. Hier komt je vrijheid voort uit het feit dat er weinig verkenning vooraf is. Als ik zulke raga's zing, probeer ik misschien veel nieuwe dingen te doen, want wie komt me vertellen dat ik het niet goed heb gezongen? Er is geen idee van wat in dit geval juist en geaccepteerd is.

namen en afbeeldingen van blauwe bloemen

Sandeep Narayan ontvangt een Award op Music Academy.

Hoe ga je om met de zelden gezongen raga's? Hoe ontwikkel je ze met beperkte composities en referenties?

Ik denk dat, naarmate mijn muzikale volwassenheid groeit, er verschillende dingen in mijn hoofd opkomen. Zo is er in een zelden gehoorde raga als Deepali, op een paar sangathis en een toonladder na, niet veel vastgesteld. In dergelijke gevallen kan ik een briefje pakken en besluiten dat dit mijn landingspunt is. Meestal zal niemand zeggen dat het verkeerd is. Maar je neemt een oudere en bekende raga-achtige Devamanohari - en verandert de landingstoon, het zal ongemakkelijk klinken omdat het al op een bepaalde manier in de hoofden van luisteraars zit. In dergelijke gevallen begint de raga-identiteit in iets anders te veranderen.

Maar sommige van deze zeldzame raga's zijn hindoestaans. Kun je geen Hindoestaanse referenties gebruiken?

Dat kan, maar hun gamaka's zijn verschillend. De raga-aanpak is anders. Je kunt tot op zekere hoogte Hindoestaanse imiteren - stel dat je Pantuvarali kunt laten klinken als Basant of Puriya Dhanashree. Dezelfde noten, gezongen in Hindoestaanse stijl, zullen anders klinken.

Doe je het soms?

Ja, ik wil. Ik vind het leuk (lacht). Het is een persoonlijke voorkeur.

Dit doet me denken aan een opname van een Pallavi door TN Seshagopalan waarin hij parallelle frases zingt tussen de Carnatic Bhairavi en Sindhu Bhairavi (wat lijkt op de Hindustani Bhairavi). Die dingen zijn echt cool voor mij, maar je moet oppassen dat je niet afdwaalt in de noten die gebruikelijk zijn bij andere raga's. Het is geen gemakkelijke zaak.

Je bent een behoorlijk expressieve zangeres. Hoe emoteer je? Moet je bijvoorbeeld de toewijding persoonlijk voelen om een ​​devotielied te laten werken?

Niet bij allemaal, maar bij sommige wel. Vaak helpt de betekenis van het lied je om de emotie naar boven te halen. Soms zit de emotie er in de raga zelf. Soms kan het een connectie zijn met het lied of een connectie met de componist. We kennen bijvoorbeeld de betekenis van het lied varugalaamo in Manji van Gopalakrishna Bharathi. Ik zing dat lied niet terwijl ik aan mezelf denk als degene die ernaar verlangt de godheid te zien, maar ik krijg emotioneel denken van de componist die zo mooi heeft geschreven en zo'n situatie heeft beschreven.

Is er een raga waarmee je je de laatste tijd emotioneel verbonden voelt?

De laatste tijd heb ik een connectie met Thodi. De aard van mijn connectie met raga's is voor iedereen anders en blijft veranderen. Het klinkt misschien cliché, maar ik heb geleerd dat er een reden is waarom zoveel artiesten teruggaan naar deze raga in het bijzonder en waarom het de reputatie heeft die het heeft. Het zijn slechts zeven noten, maar er is nog iets zo groots. Ik heb het gevoel dat ik door een Thodi-tunnel ga en steeds meer over de raga leer als ik hem zing, en als ik denk dat ik uit de tunnel ben, besef ik dat er nog meer met deze prachtige raga te maken heeft en ik verdiep me in nog dieper.